Pasado, Presente y Futuro

Conocer el pasado para entender el por qué del presente y así poder construir un mejor futuro. 

Desde que comencé a estudiar profundamente la historia del arte español ha habido dos edificios que me han causado una tremenda curiosidad y a la vez un profundo rechazo, precisamente por conocer el pasado que los ha llevado a ser lo que son hoy en día: símbolos. 

El monasterio de San Lorenzo del Escorial y el Valle de Cuelgamuros (anteriormente Valle de los Caídos) son los mayores símbolos de poder que ha proporcionado la historia de España. El primero por ser exponente del renacimiento y por albergar la Capilla Real española, y el segundo por ser la mayor obra de arquitectura religiosa que se construyó durante la Dictadura de Francisco Franco (1939-1975). 

Indudablemente ambos edificios presentan una belleza colosal, equilibrada y con una función clara: mostrar la grandeza de España a través de la divinidad otorgada por Dios. Hasta ahí  todo correcto, ¿pero hasta que punto la grandeza justifica los medios? No es desconocido los medios que se emplearon para construir ambos lugares: 

- En el Escorial se gastaron aproximadamente 6.000.000 de ducados (540 millones de euros aproximadamente) seguramente obtenidos de las posesiones americanas. Miles de personas  que fueron expoliadas por los colonos españoles a base de látigos, miedo, sangre y destrucción del patrimonio indígena bajo una supuesta misión divina de evangelización. Todo ello para conmemorar la victoria en la Batalla de San Quintín y el inicio de la decadencia del antiguo imperio.

- Valle de Cuelgamuros: financiado personalmente por Francisco Franco, costó 1.150.000 pesetas ( unos casi  7.000.000 de euros ) donde es de sobra sabido que fue empleada la mano de obra  de miles de presos políticos de carácter republicano y donde aproximadamente descansan los restos mortales de mas de 30.000 personas.  Todo ello para rendir homenaje a los caídos por parte del bando nacional  y mostrar la gloria de España tras la Guerra Civil. 

¿Qué tipo de seres humanos somos si solo hablamos de belleza y no del dolor que se infringió para construir estos monumentos? 

Me encantaría poder estar orgullosa de esta parte del Patrimonio Nacional, pero no puedo. No puedo justificar el asesinato, el robo, el dolor y el sacrificio cultural y humano que se impuso para la financiación de ambos conjuntos. Interesarme por esto me ha hecho darme cuenta que la belleza no justifica la sangre que se derramó y que una actitud contraría sería romantizar este tipo de comportamientos. 

El absolutismo que reinó en España, primero con los monarcas y después con dictadura de carácter fascista; no puede ser motivo de orgullo, pero si de aprendizaje. Respetar, aprender y reconciliarnos con el pasado no debe ser el motivo para ocultar la verdad sino para entender que actos de tal calibre no deben ser perpetuados ni exaltados.

 No ocultemos verdades a gritos, ni intentemos borrar o reubicar las huellas que dejaron otros en el camino. Creemos un camino de reconciliación y respeto al pasado, de avance social donde podamos ir a cualquier lugar sin ser encasillados pero con la conciencia de lo que sucedió.

Lo que vemos o lo que quiere que veamos

 

Diego Velázquez, el gran enigma que ha trastornado mentes a lo largo de los siglos sigue haciendo estragos. ¿Cómo es posible que la obra se transforme sin que nadie la haya desplazado ni un solo milímetro?  ¿Es la luz? ¿Es la perspectiva? ¿Son los ojos de quién la ve? ¿Es una ilusión óptica? …. Y la secuencia puede seguir infinitamente, millones de preguntas sin respuesta que se quedaron enterradas en la Iglesia de San Juan y que ahora se encuentran bajo el cemento de la Plaza de Ramales. Cuan distinta sería la historia del arte con solo un sí o un no de este autor.

La Familia de Felipe IV no es el cuadro que todo el mundo percibe, no son esas muñecas simples que se han convertido en el “emblema” de Madrid; son una de las mayores incógnitas que existen (siendo el cuadro más enigmático según algunos expertos el Cristo Expiatorio de Francisco de Goya) para todos aquellos apasionados y estudiosos del arte.

A lo largo de los años si algo he aprendido es que nada es lo que parece a primera vista, ni a segunda ni a tercera, sino que se basa en una sucesión donde en cada momento y dependiendo de otros factores apreciarás una serie de detalles que anteriormente no habías percibido. Todo esto se basa en un desarrollo y adaptación de los órganos encargados de percibir estímulos y elaborar respuestas.

Basándome en todo lo anterior y después de una visita larga y centrada en el análisis del cuadro in situ, he apreciado una serie de detalles que he transformado en mis propias preguntas (que se añaden a otra lista más amplia):

-          ¿Es realmente una obra basada en la inversión de una imagen a través de un espejo o solo es el propio autor que nos quiere hacer creer eso?

-          ¿Qué relación tiene la lateralidad con la inversión de la imagen? ¿Es solo una maniobra para esconder su supuesta mano dominante o va más allá?

-          ¿Qué guarda Velázquez en esa pequeña bolsa que tiene anudada en su cadera?

-          Si las líneas de fuga conducen a la mano de José Nieto Velázquez, ¿Qué importancia tiene este personaje para llegar a ser el punto de fuga en lugar de serlo la Infanta Margarita?

-          Fibonacci está presente de dos formas: a través del trazado de la espiral de Fibonacci desde el centro del pecho de la Infanta Margarita hasta las lámparas del techo (que tienen forma de corona invertida) y el número de marcos que hay colgados en las paredes de la instancia; 13. ¿Cuál es la razón del uso de la proporción áurea dos veces en la misma obra?

-          Si la obra quiere llegar a ser una muestra de la belleza formal ¿por qué el lienzo representado es de menor tamaño o no está situado a la misma altura que la contraventana del primer bastidor empezando por la derecha de la obra?

-          En el afán del autor por cultivar y desarrollar la perspectiva aérea, ¿Puede que sea la primera obra donde el impresionismo nace?

-          ¿Qué relación guarda el rostro iluminado de la Infanta Margarita con el fondo de la puerta donde se sitúa José Nieto Velázquez?

-          ¿Es casual el trazado de la constelación corona borealis y la constelación de capricornio?

-          En el caso de que nos basemos en la teoría de los espejos, ¿es posible que Velázquez usase al menos 4 espejos para componer la obra?

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GUERNICA

Pablo Ruiz Picasso naciò en Málaga en 1881, desde pequeño fue un  entusiasta de la pintura e ingresó en la Academia de Bellas Artes, terminó sus estudios y conoció a otros artistas de los que se vió influenciado, ademas de todo esto fue director del Museo del Prado y creador junto André Bretón del movimiento artístico del Cubismo.

Guernica, la barbarie de la guerra civil:

Ficha técnica

- Nombre: Guernica
- Autor: Pablo Picasso
- Fecha: 1937
- Estilo: Cubismo
- Comitente: Josep Renau, director de la Real Academia de Bellas Artes, a petición del Gobierno Republicano
- Destino: Pabellón Internacional Exposición de París en 1937
- Ubicación: Temporalmente estuvo en el MOMA de Nueva York, desde 1981 se encuentra permanentemente en el Museo Reina Sofía
- Técnica: óleo sobre lienzo
-  Dimensiones: 7, 77 x 3, 49 m

La obra de la que vamos a hablar es Guernica, pero para hablar de ella, además de la ficha técnica y de comentar elementos como el color, la composición o la simbología debemos saber de donde viene esta obra y que temática tiene.
El nombre procede de uno de los sucesos que marcó la Guerra Civil en España. Guernica era una ciudad del Pais Vasco que fue bombardeada por la Legión Cóndor alemana bajo las ordenes del General Francisco Franco. El tema del cuadro se puede resumir en: el horror y sufrimiento que causa la guerra, siendo Picasso la persona que denuncia la situación con la creación de esta obra.

Como sabemos esta obra fue realizada por Pablo Picasso, pero no podemos decir que sea una obra plenamente cubista. Este autor fue unos fundadores de este estilo artístico, pero en este cuadro no es cubista, sino mezcla elementos cubistas, surrealistas y expresionistas.

Vemos elementos y personajes escasos, y algunos de ellos no los podemos interpretar, por lo que no hay una  interpretación universal del cuadro, cada persona puede llegar a sacar su propia interpretación. A pesar de esto podemos reconocer diferentes figuras que nos pueden recordar a otras, por ejemplo, la mujer con el niño nos recuerda a la piedad. Otras figuras pueden llegar a expresarnos sensaciones, emociones o sentimientos por ejemplo, el caballo agonizante, que nos transmite una sensación de dolor. Dentro de la obra podemos llegar a interpretar diferentes figuras como elementos positivos, por ejemplo la bombilla, el soldado con una flor en la mano y la mujer con la antorcha, que pueden simbolizar la esperanza. Finalmente el elemento que refleja el poder del fascismo y la brutalidad es el toro, una figura muy empleada por Picasso en varias obras.

La composición es en forma de pirámide, como si se tratara de un triángulo isósceles. Además esta compuesta por diferentes planos, con ausencia de perspectiva y con varios puntos de vista, por lo que recuerda al cubismo. Los cuerpos deformados no se atribuyen al cubismo, sino al expresionismo y simbolizan el dolor. Otros elementos como la lámpara - bombilla o las lenguas convertidas en puñales hacen referencia al surrealismo.

El color de la obra no es al azar, sino que tiene sentido. Está pintado en tonos blancos, negros y grises con un ligero matiz azul. Esta elección de colores puede recordar a una portada de un periódico anunciando la noticia del bombardeo o también puede reforzar el dramatismo. Picasso usaba muchas veces el color para  expresar su estado de ánimo.

Dentro de todo lo que hemos hablado sobre las múltiples influencias que se ven en el cuadro podemos destacar dentro de cada movimiento varios autores y obras:

- Dentro del cubismo: Georges Braque "Violín y Paleta", Juan Gris " Botella de Anís"
- Dentro del surrealismo: Salvador Dalí "El hombre invisible", René Magritte "El hijo del hombre"
- Dentro del expresionismo: Eduard Munch "El grito", Vasili Kandinski " Algunos Círculos".


Fuentes de información:
- Página web Museo Reina Sofía
- Página web Historia National Geographic
- Página web Canal Historia
- Página web Arte España.

Aventura finalizada

Hubo una vez un hombre que en uno de sus poemas hablaba de un huerto claro donde maduraba un limonero

Ese mismo patio pertenecía a un palacio del que era dueña una Duquesa Indomable, donde guardaba allí sus mayores tesoros, secretos y anhelos.

Uno de sus mayores secretos era un cuadro de un pintor zaragozano que admiraba a un hombre que terminó siendo Caballero de Santiago 

Este caballero terminó escondiendo secretos detrás de un espejo y sus huesos ahora mismo se encuentran bajo el cemento madrileño

Casualmente todos estos sucesos se dieron en la misma ciudad, pero en diferente tiempo, siendo dicha ciudad la cuna donde en 1599 nació Diego.

Nos vemos pronto Sevilla.

CÉ

Gaspar de Guzmán, Conde Duque de Olivares. Retrato Ecuestre

FICHA TÉCNICA

- NOMBRE: Gaspar de Guzmán, Conde Duque de Olivares

- FECHA: 1634 - 1636 aprox (no hay consenso, hay autores que defienden que se pintó en 1634, otros en 1635 y otros en 1636)

- AUTOR: Diego Velázquez

- ESTILO: Barroco

- COMITENTE: Gaspar de Guzmán

- DESTINO: Residencia de Gaspar de Guzmán, ingresado en la colección real hacia 1769, comprado por Carlos III en la venta de los bienes del Marqués de Ensenada

- UBICACIÓN: Museo del Prado (Madrid)

- TÉCNICA: Óleo sobre lienzo

- DIMENSIONES: 3,13 m x 2,42 m

En primer lugar vemos que es un cuadro que presenta una gran variedad de colores dentro de una paleta neutral. Vemos que los tonos mas cálidos se sitúan en el primer plano de la obra, mientras que los tonos mas fríos se sitúan en los planos posteriores para acentuar la sensación de profundidad y de este modo contribuir al desarrollo de la perspectiva aérea.  Particularmente en esta obra el color juega un papel crucial ya que contribuye también a la recreación de las texturas y calidades. 

En general la luz es homogénea, pero podemos intuir que podríamos tener un foco lumínico en la parte inferior izquierda de la obra, quizás este foco lumínico sea el propio sol que refleja en el pelaje del caballo y en la impresionante armadura que luce el Conde Duque de Olivares.

Centrándonos ahora en el estudio de la  perspectiva distinguimos entre dos tipos:

- La perspectiva lineal (su definición está en comentarios anteriores) en el caso de esta obra se traza en forma de aspa, situando el punto de fuga de la obra en la montura de Olivares.

- La perspectiva aérea como anteriormente hemos mencionado se logra a través de elementos como los colores, la luz, pero además a través de la pincelada. La figura de Olivares junto con su caballo presenta mas detallismo y mas nitidez debido a que están en un plano próximo. El fondo del cuadro presenta una mayor distorsión y un subtono mas azulado debido a la superposición de las diferentes capas de aire.

Como hemos mencionado anteriormente tenemos dos tipos de pincelada, una pincelada prescisa que capta todos los detalles y dota de nitidez al primer plano de la obra y una pincelada casi impresionista, rápida donde los contornos de las figuras aparecen distorsionados

En cuanto al tema, tenemos que tener en consideración que es un retrato ecuestre de una figura real y de gran importancia en el reinado del Rey Felipe IV. El Conde Duque de Olivares era el válido del rey, por lo que poseía gran influencia política. En este caso este retrato ecuestre fue encargado para conmemorar la victoria del Conde Duque sobre los franceses por la plaza de Fuenterrabía. Por lo tanto podríamos decir que su tema es histórico y que ensalza el poder que poseía el Conde Duque.

Dentro de esta obra llama especial atención un elemento, este elemento es el caballo sobre el que está montado la imponente figura de Olivares. Como vemos el caballo presenta una postura compleja, a lo que denominamos escorzo. Además de esto, vemos que es un escorzo realmente complejo ya que el caballo está en una postura diagonal y con sus dos patas delanteras elevadas. Para llevar a cabo la producción de semejante figura, Velázquez hizo un estudio a gran escala (Caballo Blanco) que utilizó en producciones posteriores. Además de la postura, la figura del caballo destaca por el detalle en la representación de su pelaje. Vemos que es un pelaje brillante, cuidado, suave y que denota que es un animal que recibe grandes cuidados por lo que nos corrobora nuevamente la posición importante de Olivares en la Corte. Esto también se puede ver en la cabezada y la montura.

Obviamente debemos mencionar ciertos aspectos referentes a la figura del Conde Duque. Este viste una imponente armadura, reluciente y damasquinada, y unos pantalones de montar a caballo que aparentemente parecen estar bordados en oro. Además de esto sobre su hombro y a lo largo de su espalda vemos que luce una banda roja llamativa, esta el la que afirma su carácter de capitán general, su exageración se corresponde a la importancia del Conde Duque en la corte del Rey. También es importante destacar el rostro del Conde Duque, se le ve como un hombre de cierta edad pero a la vez seguro, frío y seguro de su posición y de su importancia.

Es recomendable ver el cuadro desde cierta distancia para percibirlo con homogeneidad e integrar todas las partes del cuadro, de modo que lo contemplemos como un todo.

Personalmente es un cuadro que cada vez que lo veo es impactante, tanto por sus medidas como por la solemnidad de la mirada de Olivares.

MERCURIO Y ARGOS

FICHA TÉCNICA

- Nombre: Mercurio y Argos

- Fecha: 1659

- Autor: Diego Velázquez

- Estilo: Barroco

- Comitente: Felipe IV de España

- Destino: Salón de los Espejos del Real Álcazar de Madrid

- Ubicación: Museo Nacional del Prado

- Técnica: óleo sobre lienzo

- Dimensiones: 1,27 m x 2,348 m 

El cuadro que vamos a analizar a continuación se titula "Mercurio y Argos" pintado por Diego Velázquez en 1659, por lo tanto se incluye en su etapa pictórica final. Esta etapa se caracteriza por la rapidez de la pincelada, por un dominio de la luz y las sombras y por un adelantamiento al impresionismo.Vemos claramente la evolución de su obra desde sus principios hasta esta época final, un año antes de la muerte del pintor. 

Primeramente analizaremos la gama cromática de la obra. Predominan los tonos tierra y neutrales aunque destaca el tono carmesí de la parte superior de la túnica de Mercurio y subtonos azulados tanto del fondo ocmo de las vestimentas de Argos.
A continuación analizaremos lo referente a la perspectiva, es de destacar que la perspectiva de esta obra y su formato son algo especiales ya que se diseño para que fuera vista desde un lugar específico, ya que la obra iba colocada sobre dos ventanas, de este modo encontramos dos tipos de perspectiva. La primera de ellas es la perspectiva aérea, esta se define por la superposición de las capas de aire en los diferentes planos de la obra, vemos que en el primer plano (donde se encuentran Mercurio y Argos) hay mayor nitidez que en el plano donde se sitúa la ternera (la ternera en realidad es una ninfa llamada Io) o el fondo. A medida que se se suceden los planos, se superponen las diferentes capas de aire, por lo tanto mas azulado el el subtono y mas difuminados son los contornos. En cuanto a la perspectiva lineal, esta se vincula al punto de fuga, que es el punto donde convergen todas las líneas que se establecen en el cuadro, en este caso el punto de fuga es la rodilla de Argos.
En cuanto a la luz, vemos que viene de un foco situado a la izquierda de la obra y que incide fundamentalmente en la figura de Argos.Vemos que es una luz difuminada donde no se aprecia uno de los rasgos característicos del arte barroco, la luz teatral y casi artificial con un ligero tono amarillento, en este caso la luz es totalmente clara y se va homogeneizando en la obra quedando algunos puntos donde encontramos cierta presencia del claroscuro.
Como hemos dicho anteriormente, la pincelada es totalmente suelta, rápida, anticipando el impresionismo, si observamos la obra a corta distancia veremos figuras poco definidas, borrosas y apenas distinguiremos detalles (rostros), pero si observamos la obra a una distancia mas larga veremos que todos los contornos se unifican y que los detalles.
Centrándonos ahora en el espacio de la obra, los personajes se sitúan en una zona de descanso, ya que no parecen dos personajes de la mitología sino dos pastores descansando después de una jornada de trabajo.
Seguidamente el tema de la obra es mitológico, esta obra pertenece a un conjunto pictórico, desgraciadamente solo sobrevivió esta al incendio del Real Alcázar de Madrid en 1734, que se realizaron con motivo del compromiso de la Infanta María Teresa. No sabemos por que Velázquez pintó precisamente esta escena ya que el mito tiene varios rasgos violentos, pero nos da una sensación de descanso y calma. El mito viene dado por la fábula de Ovidio  en la que Júpiter, enamorado de la ninfa Io la envolvió en una espesa neblina para evitar que se escapara. Juno, sorprendida por la repentina oscuridad y sospechando una nueva infidelidad de su marido, acude al lugar y deshace la niebla, aunque Júpiter tuvo el suficiente tiempo para convertir a Io en ternera. Juno se la pide como regalo y la deja al cuidado del pastor Argos, que tenía cien ojos que descansaban a pares por lo que siempre estaba despierto. Júpiter envía a Mercurio para que mate a Argos y así recuperar a la ninfa de sus amores. Un recital de flauta hará dormir profundamente al pastor, momento aprovechado por Mercurio para matarle y recuperar a Io. Cuando Juno fue a ver como iba el asunto, encontró al servicial Argos muerto, recogiendo sus cien ojos y colocándolos en la cola del pavo real, su animal favorito. 

Por último mi opinión respecto a la obra, me parece un buen cuadro pero no es de mis favoritos. Para verlo como parte de la exposición del museo del prado está muy bien ya que vemos que Diego Velázquez trata todos los temas y reflexiona acerca de ellos, pero en cuanto a relevancia no me parece nada del otro mundo, no se si es por que al formar parte de una serie pictórica pues se queda algo "solo", quizás si no hubieran desaparecido el resto de obras me parecería que estaría mejor contextualizado. 

Para mas información consultar página web museo del prado 

Cé 

Nota informativa

Para todos aquellos interesados en usar los comentarios publicados en este blog con fines académicos o simplemente para estudiar / conocer un punto de vista alternativo a los análisis de obras de arte, quiero dejar constancia de que todo lo que aparece en este blog está fundamentado teóricamente, antes de hacer cualquier comentario consulto varias web y me informo de la obra, también reviso mis apuntes propios y selecciono aquella información que me parece mas relevante o que mas me interesa plasmar, aunque también hay cosas que simplemente he percibido yo y luego posteriormente he contrastado. 

Mis referencias para analizar obras son:

- Página web artehistoria

- Página web museo del prado

- Página web national gallery londres

- Enciclopedias de Historia del Arte. Summa Artis

- Libros, biografías y documentos referentes a la vida y obra de Diego Velázquez (pongo esto por que solo he publicado obras de este autor, aunque para la entrada de Picasso también me documenté en la página web del museo reina sofia y en varias enciclopedias). La luz dormida en el espejo, El misterio Velázquez, Las Meninas (Cómic)... etc

- Material de Youtube: 

    La gata verde

    Conferencias Museo del Prado (canal de youtube Museo Nacional del Prado)

    Antonio García Villarán