- Nombre: Mercurio y Argos
- Fecha: 1659
- Autor: Diego Velázquez
- Estilo: Barroco
- Comitente: Felipe IV de España
- Destino: Salón de los Espejos del Real Álcazar de Madrid
- Ubicación: Museo Nacional del Prado
- Técnica: óleo sobre lienzo
- Dimensiones: 1,27 m x 2,348 m
El cuadro que vamos a analizar a continuación se titula "Mercurio y Argos" pintado por Diego Velázquez en 1659, por lo tanto se incluye en su etapa pictórica final. Esta etapa se caracteriza por la rapidez de la pincelada, por un dominio de la luz y las sombras y por un adelantamiento al impresionismo.Vemos claramente la evolución de su obra desde sus principios hasta esta época final, un año antes de la muerte del pintor.
Primeramente analizaremos la gama cromática de la obra. Predominan los tonos tierra y neutrales aunque destaca el tono carmesí de la parte superior de la túnica de Mercurio y subtonos azulados tanto del fondo ocmo de las vestimentas de Argos.
A continuación analizaremos lo referente a la perspectiva, es de destacar que la perspectiva de esta obra y su formato son algo especiales ya que se diseño para que fuera vista desde un lugar específico, ya que la obra iba colocada sobre dos ventanas, de este modo encontramos dos tipos de perspectiva. La primera de ellas es la perspectiva aérea, esta se define por la superposición de las capas de aire en los diferentes planos de la obra, vemos que en el primer plano (donde se encuentran Mercurio y Argos) hay mayor nitidez que en el plano donde se sitúa la ternera (la ternera en realidad es una ninfa llamada Io) o el fondo. A medida que se se suceden los planos, se superponen las diferentes capas de aire, por lo tanto mas azulado el el subtono y mas difuminados son los contornos. En cuanto a la perspectiva lineal, esta se vincula al punto de fuga, que es el punto donde convergen todas las líneas que se establecen en el cuadro, en este caso el punto de fuga es la rodilla de Argos.
En cuanto a la luz, vemos que viene de un foco situado a la izquierda de la obra y que incide fundamentalmente en la figura de Argos.Vemos que es una luz difuminada donde no se aprecia uno de los rasgos característicos del arte barroco, la luz teatral y casi artificial con un ligero tono amarillento, en este caso la luz es totalmente clara y se va homogeneizando en la obra quedando algunos puntos donde encontramos cierta presencia del claroscuro.
Como hemos dicho anteriormente, la pincelada es totalmente suelta, rápida, anticipando el impresionismo, si observamos la obra a corta distancia veremos figuras poco definidas, borrosas y apenas distinguiremos detalles (rostros), pero si observamos la obra a una distancia mas larga veremos que todos los contornos se unifican y que los detalles.
Centrándonos ahora en el espacio de la obra, los personajes se sitúan en una zona de descanso, ya que no parecen dos personajes de la mitología sino dos pastores descansando después de una jornada de trabajo.
Seguidamente el tema de la obra es mitológico, esta obra pertenece a un conjunto pictórico, desgraciadamente solo sobrevivió esta al incendio del Real Alcázar de Madrid en 1734, que se realizaron con motivo del compromiso de la Infanta María Teresa. No sabemos por que Velázquez pintó precisamente esta escena ya que el mito tiene varios rasgos violentos, pero nos da una sensación de descanso y calma. El mito viene dado por la fábula de Ovidio en la que Júpiter, enamorado de la ninfa Io la envolvió en una espesa neblina para evitar que se escapara. Juno, sorprendida por la repentina oscuridad y sospechando una nueva infidelidad de su marido, acude al lugar y deshace la niebla, aunque Júpiter tuvo el suficiente tiempo para convertir a Io en ternera. Juno se la pide como regalo y la deja al cuidado del pastor Argos, que tenía cien ojos que descansaban a pares por lo que siempre estaba despierto. Júpiter envía a Mercurio para que mate a Argos y así recuperar a la ninfa de sus amores. Un recital de flauta hará dormir profundamente al pastor, momento aprovechado por Mercurio para matarle y recuperar a Io. Cuando Juno fue a ver como iba el asunto, encontró al servicial Argos muerto, recogiendo sus cien ojos y colocándolos en la cola del pavo real, su animal favorito.
Por último mi opinión respecto a la obra, me parece un buen cuadro pero no es de mis favoritos. Para verlo como parte de la exposición del museo del prado está muy bien ya que vemos que Diego Velázquez trata todos los temas y reflexiona acerca de ellos, pero en cuanto a relevancia no me parece nada del otro mundo, no se si es por que al formar parte de una serie pictórica pues se queda algo "solo", quizás si no hubieran desaparecido el resto de obras me parecería que estaría mejor contextualizado.
Para mas información consultar página web museo del prado
Cé
A continuación analizaremos lo referente a la perspectiva, es de destacar que la perspectiva de esta obra y su formato son algo especiales ya que se diseño para que fuera vista desde un lugar específico, ya que la obra iba colocada sobre dos ventanas, de este modo encontramos dos tipos de perspectiva. La primera de ellas es la perspectiva aérea, esta se define por la superposición de las capas de aire en los diferentes planos de la obra, vemos que en el primer plano (donde se encuentran Mercurio y Argos) hay mayor nitidez que en el plano donde se sitúa la ternera (la ternera en realidad es una ninfa llamada Io) o el fondo. A medida que se se suceden los planos, se superponen las diferentes capas de aire, por lo tanto mas azulado el el subtono y mas difuminados son los contornos. En cuanto a la perspectiva lineal, esta se vincula al punto de fuga, que es el punto donde convergen todas las líneas que se establecen en el cuadro, en este caso el punto de fuga es la rodilla de Argos.
En cuanto a la luz, vemos que viene de un foco situado a la izquierda de la obra y que incide fundamentalmente en la figura de Argos.Vemos que es una luz difuminada donde no se aprecia uno de los rasgos característicos del arte barroco, la luz teatral y casi artificial con un ligero tono amarillento, en este caso la luz es totalmente clara y se va homogeneizando en la obra quedando algunos puntos donde encontramos cierta presencia del claroscuro.
Como hemos dicho anteriormente, la pincelada es totalmente suelta, rápida, anticipando el impresionismo, si observamos la obra a corta distancia veremos figuras poco definidas, borrosas y apenas distinguiremos detalles (rostros), pero si observamos la obra a una distancia mas larga veremos que todos los contornos se unifican y que los detalles.
Centrándonos ahora en el espacio de la obra, los personajes se sitúan en una zona de descanso, ya que no parecen dos personajes de la mitología sino dos pastores descansando después de una jornada de trabajo.
Seguidamente el tema de la obra es mitológico, esta obra pertenece a un conjunto pictórico, desgraciadamente solo sobrevivió esta al incendio del Real Alcázar de Madrid en 1734, que se realizaron con motivo del compromiso de la Infanta María Teresa. No sabemos por que Velázquez pintó precisamente esta escena ya que el mito tiene varios rasgos violentos, pero nos da una sensación de descanso y calma. El mito viene dado por la fábula de Ovidio en la que Júpiter, enamorado de la ninfa Io la envolvió en una espesa neblina para evitar que se escapara. Juno, sorprendida por la repentina oscuridad y sospechando una nueva infidelidad de su marido, acude al lugar y deshace la niebla, aunque Júpiter tuvo el suficiente tiempo para convertir a Io en ternera. Juno se la pide como regalo y la deja al cuidado del pastor Argos, que tenía cien ojos que descansaban a pares por lo que siempre estaba despierto. Júpiter envía a Mercurio para que mate a Argos y así recuperar a la ninfa de sus amores. Un recital de flauta hará dormir profundamente al pastor, momento aprovechado por Mercurio para matarle y recuperar a Io. Cuando Juno fue a ver como iba el asunto, encontró al servicial Argos muerto, recogiendo sus cien ojos y colocándolos en la cola del pavo real, su animal favorito.
Por último mi opinión respecto a la obra, me parece un buen cuadro pero no es de mis favoritos. Para verlo como parte de la exposición del museo del prado está muy bien ya que vemos que Diego Velázquez trata todos los temas y reflexiona acerca de ellos, pero en cuanto a relevancia no me parece nada del otro mundo, no se si es por que al formar parte de una serie pictórica pues se queda algo "solo", quizás si no hubieran desaparecido el resto de obras me parecería que estaría mejor contextualizado.
Para mas información consultar página web museo del prado
Cé
