LA ADORACIÓN DE LOS MAGOS

FICHA TÉCNICA

Nombre : La Adoración de los Magos

Fecha: 1619 aprox

Estilo: Barroco

Autor: Diego Velázquez

Comitente: Noviciado de Jesuitas de Sevilla , posiblemente

Destino: Iglesia Jesuita, pero paso a varias manos hasta que terminó en la colección real

Ubicación: Museo del Prado, Madrid, procedente de la colección real, se incorporó en 1819

Técnica: óleo sobre lienzo

Dimensiones: 2,03 x  1,25 m

La Adoración de los Magos es una obra pictórica que se encuadra dentro del primer periodo artístico del pintor, la etapa sevillana, donde también se encuadran otras obras como El Aguador de Sevilla o Vieja Friendo Huevos. Esta obra está fechada en 1619 cuando del pintor contaba con 20 años de edad, tiempo después se trasladó a la corte en Madrid donde consiguió gran fama.

En primer lugar nos centraremos en el análisis del color, en general la paleta es bastante neutral destacando los focos de color de la capa del rey mago Baltasar, la vestimenta de la virgen y la claridad de la sábana en la que está envuelto el niño. Destaca el cuidado y tratamiento de las calidades, los pliegues de las telas y el brillo de los envases donde se depositan las ofrendas al niño.

Siguiendo con la luz, como es típico en esta primera etapa del pintor sevillano, encontramos un uso profuso del claroscuro (influencia de Caravaggio) , combinado con el uso de colores bastante oscuros y no solo eso, al igual que el pintor Italiano, usa modelos vivos, probablemente su familia ( Caravaggio tomó como modelo para La Muerte de la Virgen, a una prostituta fallecida). 

Continuando con el apartado que se refiere a la perspectiva,haciendo uso de la perspectiva lineal la obra está organizada en forma de aspa, por lo tanto si trazamos las lineas que atraviesan el cuadro, vemos que el punto en el que todas coinciden es el niño Jesús, por lo tanto podemos decir que el centro de la composición y el punto de fuga es este personaje. Si nos centramos ahora en la perspectiva aérea descubrimos que las figuras mas cercanas al espectador son mucho mas grandes (tamaño natural), con sus contornos mas nítidos y sus colores mas vivos, por lo tanto aquellas que se encuentran mas alejadas del espectador presentan contornos mas difuminados, colores mas apagados y su tamaño es mucho menor.

Si nos centramos ahora en el análisis de la pincelada, vemos que es precisa, lenta, centrándose en los detalles y en la plasmación de las calidades de los elementos que se representan.

Hablando ahora del espacio, no tenemos muy claro donde se desarrolla la escena, posiblemente sea el portal de Belén.

Siguiendo con la acción vemos una situación bíblica muy importante, después del nacimiento del Niño Jesús, los tres magos de oriente (Melchor, Gaspar y Baltasar) están en el portal adorándole y dándole las correspondientes ofrendas de oro, incienso y mirra. Enlazándolo con esto, el tema es puramente religioso.

Como complemento al comentario, podemos tambien hablar de un importante punto de iconografia, en el cuadro podemos encontrar:

- Los personajes representados son reales, es decir modelos vivos y encontramos:

      * La virgen: modelo su mujer,  Juana Pacheco

      * El Niño: su primera hija , Francisca , nacida en 1618

      * Melchor: su suegro y maestro , Francisco Pacheco

      * Gaspar: el mismo pintor, Velázquez 

      * Baltasar : un criado

      

LA FÁBULA DE ARACNE

Siguiendo con la serie de Velázquez, hoy hablaremos de uno de sus cuadros mas reconocidos y mas enigmáticos, La Fábula de Aracne / Las Hilanderas.

FICHA TÉCNICA

- Nombre: La Fábula de Aracne / Las Hilanderas.

- Fecha: 1657

- Estilo: Barroco

- Autor: Diego Velázquez

- Comitente: posiblemente Pedro de Arce (montero del Rey)

- Destino: Colección de Pedro de Arce

- Ubicación: Museo del Prado (Madrid)

- Técnica: óleo sobre lienzo

- Tamaño: 2,20 x 2,89

Nos encontramos ante una de las obras mas importantes del sevillano, Velázquez. Para la mayoría de los estudiosos es la obra más enigmática del pintor, pero sinceramente, para mi es una obra que si te das cuenta de todos los detalles construyes poco a poco un sentido global que hace que descubras esos pequeños acertijos.

Como siempre, empezamos analizando el color, en este caso lo trataremos por planos. En el primer plano, donde se sitúan las Hilanderas, predominan los tonos neutrales apagados aunque encontramos una ruptura cromática con el azul de la falda de una de las trabajadoras. En el segundo plano encontramos a una joven de falda roja que también rompe con el cromatismo neutro. Finalmente en el tercer plano (escenario) nos encontramos los tonos mas vivos y brillantes.

Siguiendo con la luz, encontramos un foco lumínico procedente de la claraboya y que refleja en la joven de la falda azul, lo que me hace pensar que este personaje es importante. El resto de los personajes del primer plano aparecen en una ligera penumbra mientras que los del tercer plano aparecen fuertemente iluminados.

Continuando con la perspectiva, podemos encontrar dos: la perspectiva lineal aparece fuertemente remarcada por el punto de fuga, en este caso puede ser el personaje que aparece en el centro del escenario. seguidamente la perspectiva aérea se ha logrado en este caso a través del tamaño de las figuras a lo largo del espacio, las que se encuentran en los primeros planos son mas grandes, mientras que las figuras de los planos mas alejados son mas pequeñas y sus contornos son mas difuminados debido a la superposicion de las diferentes capas de aire

El tipo de pincelada que encontramos es totalmente suelta, rápida, impresionista. A pesar de que el autor emplea este tipo de pincelada, hay zonas del cuadro que muestran gran detallismo como por ejemplo, la pierna joven de la señora del primer plano, donde se muestra el contraste entre la piel turgente de la pierna y la textura de la piel de la cara, que muestra los estragos de la edad o  movimiento de la rueca.

Centrándonos ahora con el espacio, y según lo que encontré investigando, es un lugar real, concretamente la Real Fábrica de Tapices de Santa Isabel, lugar que Velazquez solía frecuentar a menudo.

La descripción acción para mi es el elemento mas complejo de esta obra, he leído muchas teorías, libros especializados y visto conferencias, pero sinceramente, ninguna termina de convencerme por eso he inventado mi propia teoría: la teoría de los planos

Encontramos dos tipos de acción según los diferentes planos, dos planos, dos acciones. En el primer plano nos encontramos lo que ocurre normalmente en una fabrica, mujeres hilando, otras preparando los tejidos, usando ruecas etc. En el segundo plano, encontramos un conjunto de cinco mujeres, tres de ellas parecen que están interesadas en un tapiz, mientras que las dos restantes aparentemente están representadas en el tapiz.

Pero ¿y si realmente las dos mujeres no están representadas en el tapiz? ¿y si están participando mas de lo que creemos?  Si nos fijamos, las dos mujeres de las que hablamos son Minerva y Aracne, justamente en ese momento Minerva va a convertir a Aracne en araña, el mito lo explicaremos después.

La composición se articula como hemos mencionado en planos, además es abierta, simétrica.. En el caso de esta obra el centro geométrico es la joven del segundo plano situada al centro (Aracne). 

El tema de la obra es mitológico donde se describe el mito de Minerva y Aracne. Aracne era una joven mortal que presumía de ser la mejor tejedora del mundo, por encima incluso de la diosa Minerva, esto ofendió a la diosa por lo que se celebró un torneo,este consistía en tejer un tapiz de cualquier tema. Aracne escogió como tema de su tapiz 22 episodios de las infidelidades de Júpiter, mientras que Minerva decidió representar su victoria sobre Neptuno en la lucha por conseguir el patronato del Ática. Cuando mostraron sus tapices, la Diosa reconoció la destreza de Aracne pero también entró en cólera al ver como una mortal faltaba el respeto a los dioses olimplicos, La Diosa rompió el telar y el tapiz de Aracne, golpeando a esta en la cabeza por lo que Aracne huyó del lugar y terminó suicidándose.

 Ovidio sin embargo se apiadó de la joven Aracne y modificó el mito diciendo que Aracne fue convertida en araña como escarmiento por desafiar y ofender a los Dioses, y precisamente la convirtió en araña para que tejiera durante toda su vida.

En este punto del análisis podemos establecer una conexion entre los planos, la mujer mayor del primer plano en realidad es Minerva (esto lo podemos deducir al ver la pierna joven que muestra) y la joven sobre la que refleja la luz y que posee una falda azul es Aracne. 

Como tema subyacente de esta obra podemos identificar la defensa del arte de Velazquez, al igual que Aracne el defiende su maestría y su capacidad para hacer del arte un proceso de reflexión intelectual, pero se muestra cauto ya que si nos igualamos a los dioses y los retamos podemos ser escarmentados.

Personalmente es un cuadro que me gusta mucho, pero que me decepciona, cuando te acercas para ver todos los detalles que crees que tiene lo único que ves realmente son manchas de pintura, no distingues los contornos y te sientes un poco frustrado, consejo, mirar el cuadro de lejos.